Джеймс Мантет (блюзовый репортаж)

Познакомиться с Майком Науменко я не успел, а с Михаилом Файнштейном-Васильевым выпало провести всего пару вечеров. Первая встреча, в 2009, состоялась на Васильевском острове. У кафе на Большом проспекте, где мы его дожидались, басист появился на шикарной машине. Мне показалось, что его лицо выражает постоянный полушутливый творческий вызов жизни.

Файнштейн за рабочим столом своего кабинета. 2009

Файнштейн за рабочим столом своего кабинета. 2009

Прежде чем отвезти нас к себе, Файнштейн заехал на работу, чтобы что-то забрать, как он сказал. Но может, ему просто хотелось показать, какого положения он добился, успев стать чиновником, занимающимся сферой культуры в Василеостровской районной администрации. Специальное образование у него отсутствовало, но в тот момент на подобной должности было престижно и полезно иметь таких, как он, с корнями в неофициальной среде. К тому же у него было много организаторского опыта в качестве директора «Аквариума» периода взлета. И позже он продолжил представлять интересы многих рок-групп и концертных площадок, примерно как это происходило у него с «Почтой» в свое время.

Дорога к конторе оказалась короткой. Все в пределах того же проспекта. Рабочий день уже кончился, но басист открыл тяжелую деревянную входную дверь личным ключом и зажег свет. За просторным залом совещаний с длинным столом находился его вместительный кабинет, обставленный престижной кожаной мебелью. Собрав бумаги, Файнштейн снова посадил нас в машину и поехал в сторону гавани.

«Васильев живет на Васильевском острове, — заметил он с явным удовольствием, как будто произнося привычное личное внушение. — Говорят, что здесь живут самые сообразительные люди.»

О своей роскошной машине он сказал, что завел ее, рассчитывая перепродать, чего не вышло. Но он не прочь ездить на ней сам, хотя такой класс люкс в ходу у номенклатурных лиц, в принципе презираемых его средой. В конце концов, это и класс рок-звезд. В каких-то материальных вопросах могут пересекаться все, кто имеет престиж.

Файнштейн много лет сопровождал российские рок-группы в заграничных поездках, в том числе в Америке, сочетая эти занятия с параллельными перспективами установления связей и приобретения наживы. Однажды в Нью-Йорке, как он рассказывал к примеру, он даже побывал в неком элитарном собрании политэкономов. «Там были люди, — сказал он с самодовольным смешком, — даже умней, чем я.»

Квартиру на Васильевском он купил в самый момент пика рынка недвижимости. Денег хватило только на скромный вариант. Потом наступил финансовый кризис, и цены упали. Но к этому небольшому промаху, как и к бесчисленным другим, он относился благодушно. Все-таки удалось осесть на нужном острове.

Пока мы шли к дому, Файнштейн смеялся с умилением, вспоминая старую историю, связанную с Апраксиной. Когда той приходила в голову очередная своеобразная мысль — как басист это определил — на сей раз желание избавиться от всякого личного имущества, — она обзванивала друзей. Файнштейну сначала было трудно понять, каким образом перетащить к себе какой-то страшно громоздкий предмет, но за счет сообразительности и привлечения дружеских усилий удалось справиться.

В квартире было уютно, и мы познакомились с его симпатичной невестой. На стенах висели музыкальные инструменты и сюрреально пасторальные картины Гребенщикова. В маленькой отдельной комнате стоял компьютер, на котором Файнштейн показал видеозапись концерта флейтиста «Аквариума» Дюши Романова и его группы «Трилистник». Файнштейну, тоже бывавшему участником «Трилистника», хотелось дать представление о том, что и Дюша, и он успели создать нечто, имеющее самостоятельное значение в музыке.

Когда мы собрались за столом на кухне, Файнштейн включил радио. Зазвучала классическая рок-музыка. Качая в такт головой, он заговорил о том, как чудесно слышать по радио музыку, узаконенную ценой героизма таких, как он.

Чуть позже появился его коллега по конторе, большой блондин в костюме. Какое-то время он пил с Файнштейном водку и бросал реплики громким голосом, мало что замечая вокруг себя, а затем ушел. Файнштейн объяснил, что он этого коллеги терпеть не может, но по работе приходится с ним дружить.

Пока мы сидели, Файнштейн высказал откровенную оценку своих недостатков как басиста. Он признался, что Титов, который заменил его в «Аквариуме», явно играл лучше него, кто никогда не был способен, как он считал, дать группе прочную основу. Файнштейн болезненно переживал эту замену. Его другая историческая роль в «Аквариуме» в качестве «перкуссиониста» тоже выглядела какой-то неопределенной, хотя можно представить, как мило он тряс самопальные погремушки и бил по бытовым предметам в квартирах и на сценах. Главным во всем этом было то, что он принадлежал самому классическому «Аквариуму». Этого отнять у него никто не мог, и никто не мог восполнить пробел в группе после того, как он и другие первые ее участники вышли оттуда. «Акариуму» было полезно иметь рядом непокорную личность.

Файнштейн в клубе, 2010

Файнштейн в клубе, 2010

Провожая нас на остановку троллейбуса, Файнштейн полушутя жаловался, что все меньше чувствует интерес к тому, что нравилось ему в жизни раньше. Ему стало неинтересно слушать музыку. «И даже девушки стали безразличны, — с искренним удивлением заметил он. — Вот вижу девушку и думаю: ну, девушка, ну и что?»

В следующем году Файнштейн приехал для встречи с нами в клуб на улице Пестеля, где работал другой его бывший аквариумный соратник Сева Гаккель. Сева пригласил нас на концерт, который он там устроил для канадской альтернативной рок-группы, получившей грант на гастроли по восточной Европе. Пока группа обитала в Петербурге, ее крикливая и манерная панк-вокалистка останавливалась у спокойного, терпеливого Севы, чьи нервы она успела испытать. Любуясь ею, Файнштейн восторженно смеялся своим глубоким, добродушным смехом: его восхищало, что хотя она была заметно старше музыкантов группы, она превосходила их темпераментом. Из-за громкой музыки было трудно общаться, но запомнилось, что Файнштейн хвалил рок-группу «Ленинград» за актуальность, а подпольные узбекские рестораны за дешевый, сытный и изумительно вкусный плов. Он с удовольствием вспоминал, как бывал свидетелем облав на работников таких кулинарных заведений.

Темы, спонтанно возникавшие в разговорах с Файнштейном, могли бы казаться случайными, но они все имели отношение к тому же пожизненному вызову, который привел его в музыку, к той же сообразительности, которая заставляла его неустанно искать во множестве манящих направлений, стремясь к собственной целостности среди фрагментов.

Джеймс Мантет (блюзовый репортаж)

Холодным осенним вечером* в клубе «Money Honey» в петербургском Апраксином Дворе стирается грань между музыкой и повседневностью, и разные времена сливаются в одно. Впервые за более, чем тридцать лет, вновь выступает ленинградская группа «Почта», воскресшая в обновленном составе.

Новый состав группы "Почта". Слева направо: Костя, Дима, Рома, Наиль.

Новый состав группы «Почта». Слева направо: Костя, Дима, Рома, Наиль.

Для нас концертная атмосфера начинает образовываться в тот момент, когда на фоне карикатур классических западных рок-звезд, украшающих фасад клуба, и постоянно припаркованного рядом музейного авто мы видим Наташу Крусанову, пригласившую нас послушать «хорошую старую группу». Присоединяемся к меломанке-тележурналистке, которая ждет за столиком на заснеженной террасе известного клуба, расположенного совсем по-соседски с нашей петербургской редакцией.

В последние годы многие из мемориальных событий, связанных с первопроходцами русской рок-музыки, отмечаются в «Money Honey». Сегодняшний концерт посвящен не только памяти оригинальной группы «Почта», но также и первого басиста «Аквариума» Михаила «Фана» Васильева-Файнштейна, ушедшего из жизни ровно восемь лет назад. Оказывается, Файнштейн был особым другом недолго существовавшей «Почты», помогая в записях их единственной пары альбомов, «Город» и «Коктейль «Дорога назад», или Пивной день мастера Краева», вышедших в 1987 и 1989 гг.. Эти альбомы способствовали тому, что хотя бы часть сочинений авторов песен «Почты» доходит до нас.

Деятельность «Почты», начатая в 1981, внезапно прервалась в девяностые после несвоевременной кончины вокалиста и автора многих песен группы Сергея Васильева. Другой сочинитель песен, бас-гитарист Алексей Ионов, игравший потом в других группах, ушел из жизни в первые годы нового тысячелетия. Но у «Почты» остается место на страницах истории ленинградского рока, и музыку группы ценят до сих пор. Возможность услышать эту музыку в живом виде — большая удача.

До начала  концерта остается как минимум целый час на занятия, которые можно воспринимать, как настройку: есть время разглядывать друг друга, обмениваться впечатлениями и о чем-то вспоминать — сначала во время поиска сигарет в Апраксином Дворе, а затем перед клубом. Приходит друг Майка Науменко художник Игорь Петровский вместе с женой Людой. В результате коллективного творчества есть чем и с кем чокаться.

Апраксина и многие из присутствующих на концерте знали как Майка, так и Файнштейна в течение десятков лет. Файнштейн мог бы легко и охотно вписаться в компанию и ее затеи. Вписался бы и Майк, чей недавно обнаруженный портет Петровский просит Апраксину помочь идентифицировать. Разглядывая пастель на телефонном экране, Апраксина сначала затрудняется установить авторство, но не признать собственную подпись не может. Художница вспоминает, что портрет понравился Майку ракурсом, который скрывал его большой нос. Портрет мог быть написан примерно в 1976 году, скорее всего после майковской игры в составе «Аквариума», судя по одежде и состоянию. Состояние Майка, переданное в портрете, кажется характерным: погруженность в мысли о только что пережитом.

Портрет Майка Науменко, 1976?  Т. Апраксина

Портрет Майка Науменко, 1976?  Т. Апраксина

И вот уже звучат первые ноты новой «Почты», и мы заходим в «Money Honey». Клуб настолько же прелестен внутри, как и снаружи: с объявлениями о прошедших рок-концертах и фестивалях органично перемешиваются любовно устроенные американские ретро-плакаты. Китчевые голливудские образы резвых дам и опасных мужчин неожиданно облагораживаются обстановкой русской среды в корпусе псевдо-средневекового стиля постройки XIX века.

Концерт разворачивается на втором этаже, но мы поднимаемся сразу на третий и удаляемся по балкону в угол над сценой. Похожий на Джона Леннона фотограф Леша Найденов, много лет снимающий рок-события, скоро покидает место рядом с нами и мелькает в зале, меняя ракурсы, пока мы любуемся пацифистским знаком на спине футболки басиста Наиля Кадырова, единственного из оригинального состава «Почты». После пары песен Кадырову дается слово для пояснения о посвящении концерта, по удачному случаю совпавшего с годовщиной ухода Файнштейна.

Кадыров называет Файнштейна «примером того, с кем можно было говорить о молодых и старых нациях — то есть широкое образование, отличный человек». Посвящая концерт также памяти Сергея Васильева и Леши Ионова, Кадыров высказывает мнение, что хотя в группе теперь «люди новые.., дух той группы, которая была, полностью передается. Мы сейчас дарим еще сильнее».

Действительно, новые участники — певец-ритм-гитарист Рома, соло-гитарист Костя Плехов и барабанщик Дима Горелов — встраиваются в достижения Кадырова и исторической группы отлично, хотя и по-другому. Мистический и поэтический дух полуакустической «Почты» отчасти переходит в форму менее замысловатой энергетики, но это явление кажется нормальной фазой возрождения. Рома, давний поклонник «Почты», своей любовью к группе собственно и вызвал ее перерождение. Певец страстно вживается в унаследованные им тексты и мелодии. Расширяется окно для этих песен, для их трактовок жизни.

Не теряют своей силы песни, говорящие о суровых испытаниях судьбы. Как отмечает Рома, «Год крысы», написанный про крысиный 1984, мог бы описать и тяжеловатый крысиный 2020 год. О песне «В городе чума», можно, разумеется, сказать то же самое. Симпатичны и такие пронзительно веселые песни, как «Пивной день», и отважно задумчивые, как «Белое безмолвие». Бесценный исторический и душевный документ — песня «Мастер Краев», посвященная бывшему директору группы Паше Краеву, который в восьмидесятые устраивал квартирники для «Почты» и многих ключевых музыкантов русского рока. Вот и сам Краев, присутствующий на концерте, появляется на сцене. Когда, при всей своей скромности, он улыбается и твердит, что ни в какие легенды о нем верить нельзя, он все равно похож на волшебного доставщика «запаха с возвышенных гор Гималаев», чей образ рисуется в песне.

На сцене во время выступления нового состава группы "Почта": слово предоставлено директору группы Паше Краеву

На сцене во время выступления нового состава группы «Почта»: слово предоставлено директору группы Паше Краеву

Настойчивый отзвук остается также от пары песен, исполненных надежды и сознания миссии: «Ангел-флюгер» Сергея Васильева и «Пастух золотого руна» Алексея Ионова. Первая из этих песен, берущая в качестве центрального образа знаменитый флюгер на Петропавловской крепости, выражает подлинное ощущение ожидания лучшего от родного города. В песне словно есть предчувствие скорого его перерождения, уже под именем Петербург, с соответствием при этом уровню чистой веры, присутствующей в душе автора.

В этих уцелевших посланиях есть голос, который можно узнать.

                    ………….

                    Ангел-флюгер!

                              Ждет, когда крылья расправят другие ветра.

                    Ангел-флюгер!

                              Смотрит на город Петра.

          Замер мой пульс и взгляд,

          Шагает безумный отряд.

          Серую сущность надежно скрывает

          Яркий, роскошный наряд.

                    Ангел-флюгер!

                              Смотрит, как ветер рвет пламя с Ростральных колонн.

                    И только Ангел-флюгер!

                              Грудью встречает циклон.

          Жмутся друг к другу дома, в город входит зима.

          Мне нужен донор тепла — в венах стужа и тьма.

          В поисках теплых мест я выбрал домашный арест,

          А ангел, укутанный в серые тучи, крепко сжимает свой крест.

                    Ангел-флюгер!

                              Спрятал на черный день память о белых ночах.

                    Имеет Ангел-флюгер!

                              Крылья любви на плечах.

 

И «Пастух» кажется откровением. Сочетая миф о поиске далекого золотого руна с евангелическим образом доброго пастыря, песня подсказывает, что истинное золото — в том, как человек исправно и щедро следует возвышенному пути. Как и в «Ангеле-флюгере», когда все музыканты поют припев хором, эффект потрясающий.

          ………

          Цель пути — лишь идти, пусть ведет он никуда

          И за поворотом ждет меня беда.

          Но я верил всегда: нет напрасного труда,

          И куда-то все гоню свои стада.

 

                    Я — пастух золотого руна, мое время — ночь.

                    Я — пастух золотого руна, мое время — ночь.

 

           ……….

 

          Несмотря на года без любви и без стыда,

          Выбирая и жару и холода,

          Заметая следы, обрывая провода

          я куда-то всë гоню свои стада.

 

                    Я — пастух золотого руна, мое время — ночь.

                    Я — пастух золотого руна, мое время — ночь.

 

Думается, что эти стада — не только личное достояние, но и олицетворение культуры того круга, о котором автору выпало заботиться. Его время — ночь, пора и мечтаний, тайн, и выступлений, в его случае рок-н-ролльных. Сердце радуется при виде музыкантов нового состава «Почты», которые теперь у микрофонов делают такое кредо своим, заботясь о музыке и о нас.

Говорят, что название группы «Почта» возникло, когда ее основатели пришли в Ленинградский рок-клуб в 1984 году с вопросом о поступлении. По воле судьбы надпись «Почта» стояла на обложке типичной папки, в которую сложили тексты для передачи администрации на проверку. После прослушанного концерта в этом прозаическом совпадении трудно не видеть заслуженный подтекст: каждая песня этой группы — искреннее, правдивое письмо, обращенное к любому, кто сумеет его принять по назначению.

Итак, благая весть: наконец-то снова пришла «Почта». И пришла фактически туда же, откуда была отправлена. Туда же, и отчасти такой же и к тем же, хотя с некоторой сменой состава, декораций и публики. Как и мы, многие из ленинградских рок-музыкантов могли мечтать попасть в иные края, в иные масштабы, делая доступным множество новых приобретений. В новых направлениях, как художественных, так и материальных, многие из представителей ленинградского рока действительно преуспели. Но ничто не заменяет исходную честность, которая как раз и позволяет духу «Почты» воссоединиться со стадами сегодняшнего быта. В этих уцелевших посланиях есть голос, который можно узнать. В их золоте есть истина, которой можно слушаться. Такое пастушество стоит ответно беречь.

* Дебют новой «Почты» состоялся 17 ноября 2021 г.

Хранители почтового руна

Встреча с сообразительным Файнштейном

Панк-оборона, панк-балет

Буги-вуги биосферы и этногенеза: Лев Гумилев

Найти лицо до звука

Сергей Васильев (1961-1990)

Группа "Почта". Слева направо: Васильев, Наиль Кадыров, Мурман Данелия, Алексей Ионов.

Группа «Почта». Слева направо: Васильев, Наиль Кадыров, Мурман Данелия, Алексей Ионов. Ниже: обложки первых альбомов.

Песни Сергея Васильева вошли в основу репертуара ленинградской рок-группы «Почта». Многие из его песен остались незаписанными и зафиксированы только в виде неопубликованных текстов. «Апраксин блюз» благодарит руководителя группы Пашу Краева за предоставленные для публикации авторские экземпляры из машинописной подшивки Сергея Васильева. Кроме двух образцов, представленных на этой странице, фрагменты песенных текстов С. Васильева можно найти ниже, в блюзовом репортаже Дж. Мантета «Хранители почтового руна«.

Белый туман

 

Белый туман, как облако снега,

Ночью над городом сонным встает.

В нем человек исчезает бесследно,

Разум теряет и слепнет, как крот.

 

Припев: Белый туман, белый туман.

 

Вздыбились вверх мосты разводные,

Как черная радуга, в небо глядят.

Мне трудно дышать в этой белой пустыне.

Вперед не пройти, можно только назад.

 

Припев: Белый туман, белый туман.

 

Шорох листвы что-то шепчет невнятно,

Мертвый свет улиц мечтать не дает.

Как отыскать мне дорогу обратно —

В дом, где тепло и любовь меня ждет?

 

Припев: Белый туман, белый туман.

 

Меломан

 

Я книги об эстетике

Сожгу в костре, как Жанну д’ Арк.

Хочу «Аквариум», «Алису»,

Хочу «Кино» и «Зоопарк».

 

Смеялся я на «Странных играх»,

Жаль, нету больше «Россиян».

Я не кретин, а меломан.

За рок советский все отдам!

Об авторе: Родилась и живу в Уфе. Люблю музыку и театр. С 2005 г. по настоящее время являюсь главным редактором газеты «Шорашим»/«Наши корни» Уфимской еврейской общины. Как автор, сотрудничаю с газетой «Республика Башкортостан», «Молодежной газетой», журналом «Рампа. Культура Башкортостана». Была автором статей в журналах InRock (Москва), Russian Rolling Stone (Москва), Fuzz (Санкт-Петербург), Rockor (Москва), «Бельские просторы» (Уфа), «Уфа», «Страстной бульвар» (Москва).

 

В московском издательстве «Rock-ExPress» готовится к выпуску книга, посвященная японскому року, или, проще, J-Rock. Произведение, состоящее из двух частей, пишут два автора — директор агентства «Rock-ExPress» Александр Галин и Элла Молочковецкая. Под разными углами они рассматривают японский рок во временном промежутке от послевоенного появления, взлета в 60-е – 70-е, расслоения на множество направлений и стилей, — и до двадцатых годов XXI века.

Одним из самых экзотических и оттого невероятно привлекательных, особенно в последнее время для европейского меломана стилей J-Rock является Visual kei.

Согласно интернет-энциклопедии, «Visual kei («Видзюару кэй», «Вижуал-кей») — жанр японской музыки, возникший на базе J-Rock’а в результате смешения его с глэм-роком, металлом и панк-роком в 1980-х годах. Visual kei буквально означает «визуальный стиль». Так называется направление в японской рок-музыке, выделяющееся использованием макияжа, сложных причёсок, ярких костюмов и часто андрогинной эстетики».

Главным импульсом к созданию этого уникального движения стало выступление группы КISS, посетившей Японию в ходе своего мирового тура в марте 1977 года. То, что американские музыканты выступали под псевдонимами и не раскрывали лиц, а пользовались индивидуальными яркими образами, стало первым шагом к появлению стиля Visual kei.

X Japan

X Japan

Считается, что сам термин был придуман журналистами. Его применяли для жанрово разнородных, но одинаково ярких по сценическому облику групп. Причудливые герои V-kei стали одним из символов захлестнувшей мир «япономании». Отцами-основателями стиля, где визуальная составляющая стоит наравне с музыкальной, считаются несколько японских групп. Помимо X JAPAN (особенно выделяется роль гитариста группы Хидэ (hide) в создании уникального образа команды), упоминают BUCK-TICK, LUNA SEA, MALICE MIZER и несколько других.

Ёсики (Участник X Japan)

Ёсики (Участник X Japan)

Подобно X JAPAN, на участников всех коллективов оказал неизгладимое впечатление глэм-рок в лице его ярких представителей KISS. То, что те в своем звучании ориентируются на металл, также до сих пор влияет на Visual kei.

Ровесники «Иксов» D’ERLANGER и BUCK-TICK в начале своего творчества плотно паслись на нивах панка и «новой волны», но затем в силу разных обстоятельств склонились к готике, сразу увеличившей их аудиторию. Отдельным путем шла группа друзей и учеников X JAPAN — LUNA SEA.

Роднят их между собой яркие экстравагантные одежды, которые трудно представить себе на европейских или американских глэмерах, чтобы те не выглядели вульгарно. Здесь нужно иметь в виду, что утрированно-женственный или «футуристичный» образ, когда исполнителя трудно вообще принять за человека, — плод смешения древней японской культуры, подражательства западным группам и новейших дизайнерских разработок. Поскольку чаще всего исполнители пели на японском языке, со вставками на английском, их внешний образ помогал выстраивать мгновенный контакт с залом, давая возможность понимать посыл песен, их настроение и энергетику. 

Хайд (HYDE)

Хайд (HYDE)

Особое внимание «вижуалкейщики» уделяют текстам, которые не что иное, как сценарии драматичных историй, как правило, с плохим концом. Поэтому их часто упрекают в том, что они «нагнетают страсти», хотя, с другой стороны, тексты часто являются образцами высокой поэзии, и трудно упрекнуть их в примитивизме или шаблонности.

В 90-х годах после спада глэм-метала и рассвета альтернативного рока большинство вижуал-групп начало эксплуатировать готический образ. В 1992 году образовалась группа MALICE MIZER, её лидер, гитарист Мана (Mana), одевался на сцене в женскую одежду и с помощью макияжа придавал себе андрогинный облик — использовал изобретённый им образ Готической Лолиты. Gothic Lolita представляет собой сочетание готической моды и Лолита моды, — японской субкультуры, основанной на стиле времён Викторианской эпохи, а также на костюмах эпохи Рококо. Изначально внешний образ Ви-кейщиков нёс характер эпатажа. Но с появлением MALICE MIZER в моду стала входить женственность. Поскольку в японском театре Кабуки роль женщин преимущественно играли мужчины, то постепенно мужская женственность стала очень популярна в Японии. С точки зрения японца, женственный мужчина, пользующийся макияжем — не гей, а как раз наоборот — дамский угодник.

Kamijo (Камидзё; участник Versailles)

Kamijo (Камидзё; участник Versailles)

Versailles

Versailles

Японский актёр и известный поклонник металлической музыки Эйвери Фейн (Avery Fane) отмечал, что «каждый, кто обращал внимание на японскую индустрию, мог отметить одну простую тенденцию: в один день платья и макияж, в другой — прикид настоящего металлиста». По его словам, такие группы, как, к примеру, DIR EN GREY и KUROYUME, сменили имидж, но, в конце концов «это всё те же группы, играющие всё тот же металл»…. «Метал-группы наводнили Сибую и Харадзюку, где раньше царил Вижуал-кей. Такие группы даже играют в Аояме и Омотэсандо, которые обычно резервировались под показы мод. Как будто каждый решил вместе исполнять рок».

К уже упоминавшимся стилям в музыке присовокупились дарквэйв, техно, синтипоп, неоклассика и готический метал. Так сформировался Котэ кэй, также называемый Original visual или Oldschool visual kei. Одними из самых типичных и популярных групп этого направления считаются BAISER, SYNDROME и, в первую очередь, KUROYUME. Кисаки (Kisaki) из Syndrome впоследствии продюсировал и продвигал многие группы этого направления.

Некоторые группы, в отличие от популярного готического образа, стали использовать элементы традиционной японской культуры в музыке и текстах. Появились такие группы как ONMYO-ZA, которая сочетала в себе западный хеви-метал и японские народные мелодии, а в лирике использовала японскую мифологию.

В середине 90-х годов в Нагоя появилось андеграундное направление, которое в противовес мейнстримовым группам, имеющим упор на кричащую андрогинную внешность, стало использовать более простой, но более злой и мрачный имидж, и больше концентрироваться на исполняемой музыке. Поскольку большинство групп этого направления было из города Нагоя, то СМИ данное направление окрестили Nagoya kei (Нагойский стиль). В отличие от старых направлений, которые создавали музыку под влиянием глэма, различных направлений готической музыки и металла, на группы Нагоя оказали сильное влияние британский панк и западный готик или дэт-метал. Нагоя-кей присуща более мрачная атмосфера, чем Котэ; также нагойские группы часто стремились увеличить брутальность своего звучания, добавляя тяжёлые гитарные партии и более тяжёлые бас-партии, в вокале часто преобладали брутальные приёмы. Позже, с появлением альтернативной музыки, группы Нагои под её влиянием приобрели ещё более тяжёлое звучание. В основном нагойские группы стали исполнять творчество в направлениях: различные агрессивные виды хардкора, альтернативного или треш/дэт метала.

К 1999-му году мейнстримовая популярность Вижуал-кей пошла на спад. X JAPAN прекратили свое существование. В начале следующего десятилетия распались многие группы, такие как RAPHAEL и MALICE MIZER.

the GazettE

the GazettE

В начале XXI века (2000—2003) жанр снова начал набирать популярность, LUNA SEA и X JAPAN воссоединились, также возросло количество новых групп, которые СМИ окрестили Neo vijuaru kei. Многие из этих групп добились большой популярности и оказали влияние на последующие группы: the GazettE, DEATHGAZE и lynch. получили статус культовых в направлении Nagoya kei и подняли его. Также среди наиболее популярных: MATENROU OPERA, 9GOATS BLACK OUT, DANGER GANG, exist†trace (появилось больше полностью женских групп), SCREW, NIGHTMARE и многие другие.

В отличие от прошлых, группы Нео-Вижуала стали более уникальны во внешнем плане. Также на большинство новых групп оказали влияние финские метал-бенды (пауэр-спид метал, современный готик и симфо-метал) и американский хардкор (металкор-дэткор), поэтому большинство групп начали исполнять музыку именно в этих направлениях. Так, большое распространение получил альтернативный метал/металкор и некоторые элементы дэт-метала (DELUHI, Dio — DISTRAUGHT OVERLORD, GIRUGAMESH, SADIE), пауэр — симфо-метал (VERSAILLES, MATENROU OPERA).

Также в начале 2000-х, как противовес большинству вижуал-сцены, где преобладали группы с агрессивной музыкой и мрачным образом/лирикой, появилось направление Осярэ кэй (Oshare kei — слащавый, фешенебельный, элегантный). В мейнстрим этот подстиль вывела группа AN CAFE. Большинство осярэ бэндов начало использовать яркие цвета, (например, розовый) вместо преобладающего чёрного и красного у Котэ и Нагоя. Музыка Осярэ базируется на альтернативном роке, синти-попе, электронике и, в редком случае, более тяжёлых направлениях; лирика базировалась на позитивных моментах жизни, в отличие от остальных направлений. Позже такие группы, как NIGHTMARE, LOLITA23, SUG, AYABIE стали соединять в своём творчестве Осярэ кэй с Котэ, в итоге появилось направление Котэоса, которое сочетает в себе тяжёлые агрессивные композиции с позитивными мелодиями и припевами, а также гламурным внешним видом с элементами стиля Котэ. Но направление считается подвидом именно Осярэ.

К 2007-2008 году начали снова возрождаться старые направления, часто участники распавшихся в прошлом групп стали собирать новые коллективы в тех же направлениях. Так появилось много Котэ кэй бэндов — CHARIOTS, D (проект вокалиста и гитариста SYNDROME),VIDOL, DANGER GANG, SUICIDE ALI, PHANTASMAGORIA, -OZ-, NEGA, MEGAROMANIA, GAARA, UNSRAW и Нагоя — WERKMARE, METH, KEGEROU, YAMINADE. Также стал набирать популярность Ангура кэй — STELLA, KAGRRA.

В основном группы Котэ, подвергшиеся сильному влиянию французской музыки и культуры, образовали подвид Gothic Aristocrat (Goshikku kei). Их внешний вид был утонченно-элегантным. Типичные представители: MALICE MIZER, VERSAILLES (неоклассический метал), LAREINE, Gram∞Maria (готик метал, симфонический метал), GPKISM (индастриал, неоклассик) и BLOOD (готик метал).

В отличие от первой волны, группы которой были слабо известны за пределами Японии, группы 2000-х годов получили мировую известность; так, наибольшее количество фанов Вижуал получил в Германии, Испании, России и Америке. Большое количество мейнстримовых групп является частыми гостями на иностранных аниме-фестивалях, также большинство групп гастролирует в Германии, имея там большие фан-клубы. В последнее время возросло количество поклонников Вижуал-кея в России.

Вижуальный стиль имеет приблизительно 15-20 категорий, отличающихся между собой не только внешне, но и в музыкальном плане; кроме того, следует отметить, что некоторые группы могут носить признаки двух и более стилей.

Помимо музыки и моды, группы стиля Visual kei черпали вдохновение и в японской мультипликации (аниме), комиксах (манга) и видеоиграх как составляющих японской культуры. В наибольшей степени это проявилось в творчестве PSYCHO LE CÉMU, гитарист и басист которой Лида (Lida) и Сик (Seek) после распада группы собрали подобные коллективы: ISABELLE и MIX SPEAKERS INC, во втором из которых играют сейчас. Примером тому может служить группа Uchusentai NOIZ, использующая стереотипы и штампы из сэнтай-сериалов, а также группа S, источники вдохновения искавшая в аниме, манге и видеоиграх. В творчестве молодой группы VIRGIL, наряду с музыкальной составляющей, развилась и кинематографическая: музыканты снимаются в собственных фильмах, эксплуатируя стереотипный в аниме образ «Хозяина и слуги».

Спустя почти четыре десятилетия существования Вижуал-кей начал просачиваться в массы. Сначала это, разумеется, были только поклонники подобных групп. Их называют Visual kids («Визуальные дети»). А потом распространился и на японцев, не имеющих никакого отношения к музыке. Конечно, нельзя говорить о сложных костюмах, обуви, убийственном макияже. Но, к примеру, способ укладки волос все же выдает быстротечные эманации жанра. «Народный Вижуал-кей» сразу можно отличить по крестам на шее, цепям, джинсам в обтяжку, дикообразности волос (желательно, крашеных в экзотические цвета), отбеленному кремами лицу. Сдержанный маникюр, легкий макияж, цветные линзы, тощее тело — все это стало признаками идеала мужской красоты.

Back-On

Back-On

Интересно влияние христианской культуры на творчество Visual kei-команд. Понятно, что используются не глубокие символы, а лишь внешняя атрибутика. Особенно это заметно в клипах групп направления Gothic Aristocrat. Действие обязательно происходит в роскошном готическом соборе. Площадка освещена разноцветием витражных стекол. Главное действующее лицо — милая девушка европейской внешности в подвенечном платье. Музыканты облачены в костюмы эпохи Ренессанса. Во всем сквозит изящество и легкий флер зловещих событий, которые не заставят себя ждать. Печальный итог не за горами…

Японские музыканты собирают «красивое» по всему миру, поэтому на сцене, в фотографиях и буклетах запросто может соседствовать атрибутика различных конфессий. Всячески приветствуется эстетическое выражение сексуальности во всех проявлениях. Очень важна вечная молодость, поэтому многие музыканты являются поклонниками «вампирской эстетики». Благодаря достижениям современной пластической хирургии, доводящим до изнеможения тренировкам и различным поддерживающим процедурам любой музыкант возраста 50+ может дать фору двадцатилетнему коллеге.

Поскольку многие вижуалкейщики не против, если их произведения будут услышаны за пределами Японии, часто альбомы записываются за рубежом, там же снимаются клипы и проходят гастроли. Внешний облик музыкантов редко можно ассоциировать с Японией. Благодаря мощному гриму, им удается создать какой-то средненациональный вид, в котором каждый народ найдет что-то своё. Не подлежит обсуждению находящийся на самом высоком уровне профессионализм и трудоголизм музыкантов. Но главная задача Ви-кейщиков – нести людям радость и сильные эмоции.

Елена Чо, Москва

Елена Чо, Москва

Елена Чо — профессиональный музыковед, кандидат искусствоведения, доцент. Получила прекрасное образование, закончив историко-теоретико-композиторский факультет Российской академии музыки имени Гнесиных. Круг ее интересов широк. Это и вопросы развития музыкального слуха в контексте процесса мышления (музыкально-слуховое мышления), методика преподавания сольфеджио, ключевые музыкально-психологические процессы — восприятие, мышление, память. Большое значение имеет для нее в последние годы проблема музыкального переживания слушателя (в условиях концерта). Елена Чо — автор публикаций о ведущих мастерах российской сцены, таких как Д. Голощекин, А. Дольский, И. Бриль и других. Также она была менеджером джазовых проектов во Владимире и Москве. На ВГТРК «Владимир» проходил цикл телепередач «Вечера камерной музыки», автором и ведущей которого она являлась.

 

Музыкальное переживание — это та проблема, которая объединяет в себе множество граней музыкальной жизни: музыкально-исполнительскую деятельность и связанную с ней концертную практику, различные сферы музыкальной педагогики, музыкальную публицистику и музыкальную журналистику, музыкальное решение художественных фильмов и спектаклей, профессиональное композиторское творчество и бесчисленные формы проявления массовой музыкальной культуры. Во главе угла данной проблемы лежит самое главное — предназначение музыки быть музыкой для человека, музыкой, способной затронуть его душу и сердце.

Часто ли мы, слушая музыку в живом исполнении, испытываем то, что преобразует наше внутреннее состояние, что меняет наше мироощущение в сторону просветления и гармонии?

Такой вопрос задает себе каждый думающий профессиональный музыкант, а также любитель, способный тонко чувствовать и слышать музыку. В настоящей статье мы попытаемся затронуть лишь один из аспектов этой фундаментальной проблемы, представляющей собой не только проблему музыкознания, но и философии, психологии, культурологии и целого ряда гуманитарных наук. Речь пойдет о музыкальном переживании слушателя на уровне слухового протекания этого переживания. Опережая недоуменную реакцию на, казалось бы, очевидность данного положения, поясним, что музыкальное переживание как многомерный объект исследования может проявлять себя не только на слуховом уровне, но также и на соматическом, зрительном, тактильном, оно тесным образом связано и с моторикой, двигательными реакциями. Иными словами, слушание музыки, ее музыкальное переживание включает в действие весь организм человека, начиная с работы органа слуха и заканчивая его вегето-сосудистой системой. Ключевым в понимании музыкального переживания является его интонационно-слуховое проявление, определяющее смысловое слушание музыки, ее развития. Естественно, что такой подход применим к той музыке, где интонационность есть ее высшая художественная ценность и главное достояние.

Что же понимается, когда речь идет о музыкальном переживании слушателя?

Музыкальным переживанием слушателя можно считать его эмоциональное состояние (именно эмоция есть проявление отношения человека к воспринимаемому предмету), в котором в реальном, живом звучании музыки происходит обретение качественно нового духовного опыта, изменение внутреннего «Я». Именно в проживании внутренней жизни посредством звука, обретении духовных сил и состоит отличие музыкального переживания от музыкального восприятия, направленного на выявление «внешних» связей музыкального произведения. Речь идет о глубинном уровне жизни музыки, выражающем себя не столько в ее исполнении, интерпретации, теоретическом анализе музыкального языка сочинения, сколько в отражении ее во внутреннем мире человека. Такой мир обусловлен психологическим погружением в музыкальный строй сочинения.

В настоящей работе рассмотрены два компонента, две составляющие «музыкального переживания слушателя»: интонационная и психологическая.

Первая, интонационная составляющая, проявляет себя в самом сильном плане восприятия музыки — ее мелодическом развитии. Это дает основание называть рассматриваемый компонент интонационно-смысловым. Слух человека всегда следует прежде всего за мелодией, отмечая повороты ее движения (точки восхождения и спада, повторность и контрастность и другое). Отсутствие содержательного, по-настоящему красивого интонационно-мелодического плана значительно обедняет само музыкальное произведение. При этом оно теряет важную часть своей «органики» — человеческое участие и соучастие в развертывании звучащей идеи, замысла автора. Под словами «идея», «замысел» мы, конечно же, имеем в виду сам художественный феномен музыкального произведения. Слушать музыку, выделяя в ней интонационно-смысловой план, следуя за ним — так же естественно, как дышать, читать роман или повесть от начала до конца. Если провести более широкую параллель, то само развитие, движение мелодии сродни человеческой жизни, ее поворотам и перипетиям. Красивую, художественно-содержательную мелодию или тему слушатель никогда не назовет плохой. Точно так же и настоящую музыку невозможно перепутать с псевдомузыкой. Но могут быть случаи иного рода: несовпадение слушаемого мелодического плана с уже сложившимися представлениями о мелодике. Помню, как в программе одного из концертов камерной музыки (устроителем которого являлся автор статьи) наряду с сонатой № 3 для виолончели и фортепиано Бетховена, Pezzo capricciozo Чайковского, Дмитрием Цириным (виолончель) и Евгением Талисманом (партия фортепиано) была исполнена виолончельная соната Шнитке. Проходил концерт в историческом здании Палат Владимиро-Суздальского музея-заповедника, где регулярно собиралась своя, сформированная за годы концертно-просветительской работы публика. И потому открытая, непосредственная реакция одной из слушательниц, врача-рентгенолога по профессии, явилась формулировкой ее состояния: «Это ужасно. Я ничего не могла с собой сделать, чтобы заставить себя слушать эту музыку. Мне казалось, что я заболеваю…». Действительно, сочинение Шнитке, композитора по своей сути глубоко трагического, представляло некий апокалипсис жизни, а интонационная сторона прослеживалась для неискушенного слушателя своего рода пунктиром, ее движение не стало частью музыкального переживания.

Теперь о второй, психологической составляющей музыкального переживания. Подчеркнем, что переживание как психологический феномен является одним из проявлений эмоций. Когда речь идет о музыкальном переживании, то эмоциональное состояние слушателя происходит в момент слушания музыки, либо в ее «послесловии» (пост-звучании), что очень важно, ибо это своего рода обратная связь услышанной и прочувствованной музыки (в профессиональном слушании в большей мере проанализированной), ее духовным и душевным откликом. И вот тут необходимо подчеркнуть очень важный момент. Если музыкальное восприятие, музыкальные представления, музыкальное воображение, а также музыкальная память и музыкальное мышление обращены в первую очередь к самому объекту слушания (музыкальному сочинению), то музыкальное переживание, синтезируя в себе все вышеназванные процессы, представляет собой самую тонкую, душевную сферу его внутренней жизни. При этом музыкальное переживание действует в ансамбле практически со всеми вышеперечисленными психологическими процессами. Степень участия данных процессов в акте музыкального переживания неравная. Но это отдельная тема. Приведем лишь небольшой пример. Одна из слушательниц упомянутых концертов, актриса Владимирского драматического театра Ольга К., рассказывала, что готовясь к роли, она «доставала из колодца» пережитые в прошлом ощущения от слушания Сюиты Баха для виолончели соло. Выдвинем пока лишь гипотезу: музыкальное восприятие, музыкальное воображение и музыкальная память играют в музыкальном переживании большую роль, нежели другие элементы.

Если взглянуть на проблему музыкального переживания с точки зрения композиторского творчества и жизни самого музыкального произведения, то оно, наш взгляд, является доминирующим и самым веским художественным аргументом обретения музыкой своего полноценного содержания и вхождения в ее собственно звуковой язык «человеческого фактора». Широко известны случаи, когда композиторы-классики (Гайдн, Моцарт) заранее выстраивали кульминационные точки своего сочинения, где обязательно возникнут аплодисменты, а значит, некий яркий момент и в музыкальном переживании.

Музыкальное переживание не может происходить вне музыкального времени, в котором находится произведение композитора. Как известно, музыкальное время, с одной стороны, континуально, то есть непрерывно, а с другой — дискретно. При этом оно одновременно и обратимо. Такие приемы, как лейт-мотив или возникновение ранее прозвучавшей темы, дают возможность слушателю вернуться назад, что невозможно в реальном времени.

Музыкальное переживание самым тесным образом связано с органами чувств, и в частности, наряду со слухом — со зрением, тактильными ощущениями. В качестве примера приведу рассказанное ведущим научным сотрудником Проблемной лаборатории при Московской консерватории М.С. Старчеус. Оркестранты, которым она читала лекции по музыкальной психологии, говорили, что сколько бы раз они ни исполняли Шестую симфонию Чайковского, всегда испытывали мурашки по телу.

Немалая роль в музыкальном восприятии и музыкальном переживании принадлежит дыханию — отсюда красота и заполненность развертываемой мелодии, ее фразировки. Вспомним изумительные темы «Ромео и Джульетты» Чайковского, тему второй части Пятой симфонии Малера или темы Ноктюрнов Шопена, «Паваны» Равеля и многие-многие другие, составляющие «золотой фонд» классической музыки. Отметим, что важна не только связь с синтаксисом мелодии, но и с частотой пульсации дыхания, соответственно и сердечной деятельности человека с этим ведущим компонентом музыкального восприятия и музыкального переживания. Исполнитель (солист), весь симфонический оркестр всегда ощущают такое дыхание зала. Отсюда и выражения: «публика не та», или «чужой зал», и, напротив, «зал отвечает». Некоторым противовесом версии классической музыкальной среды звучит формула джазовых музыкантов, которую я впервые услышала от Давида Голощекина в основанной им филармонии джазовой музыки в Петербурге: «Публика дура, но ее не обманешь». Дело в том, что джазовое искусство, как никакое другое, уделяет приоритетное внимание ритму, а именно свингу. Потому и джазовые мелодии, обладая удивительно искренней и непосредственной красотой высказывания, как бы уводят дыхание фразы в тень ее ритмического преобразования, идущего совместно с импровизационным развертыванием. У джаза своя эстетика, свой музыкальный язык и, конечно же, своя публика.

Безусловно, музыкальное переживание всегда находит выражение в моторно-двигательных проявлениях. Легкие движения-наклоны головы, покачивание корпуса, отстукивание доли ногой и другие действия — все это реакции тела на исполняемую, слушаемую музыку. В некоторых ее видах, например рок-музыке и ее современных проявлениях («металл», «панк», «готик») человек, что называется, обнажает свою психофизику: может неистово кричать, сокрушать окружающие предметы. Музыкальное переживание в таком особом, как называла В.Д. Конен, «третьем пласте музыки», чем по ее мнению является джаз, выражается иначе: в мгновенной реакции в виде аплодисментов на красиво проведенную импровизацию, гибком спонтанном «соучастии» всего тела в исполнении темы. Это может быть и реакция-поддержка и, одновременно, одобрение в виде выкриков, свиста, либо традиционном «Браво!». Словом, музыкальное переживание вбирает в себя и, что важно, вбирает непроизвольно, реакцию всего организма, включая даже такие сугубо физиологические вещи, как пищеварение. Так, во время одного из камерных джазовых концертов в театре музыки и поэзии, художественным руководителем которого является Елена Камбурова, долго и достаточно экспансивно вел соло альт саксофон молодого исполнителя Тимофея Хазанова. Саксофон — инструмент специфический, его хриплый, порой резко агрессивный для слуха тембр действует на слушателей, включая неискушенных в джазе, по-разному. Одни приходят в неописуемый восторг, почти экстаз, другие теряют внутреннее равновесие и начинают нервничать. У моего брата, слушавшего концерт в холле (камерный зал театра не вмещал всей публики) началось сильнейшее желудочное расстройство. Врач, с которым я потом поделилась этим происшествием, заметил: «Это организм отреагировал на чуждую ему музыку».

Другая, вегетативная система организма, может проявлять музыкальное переживание в виде выступающих на лице капель пота, покраснения кожи слушателя. Подобная картина может наблюдаться и у исполнителей, но это проявление, скорее, процессов иного рода: исполнительство — тяжелейшая работа. Для слушателя же вышеуказанная реакция связана с некой «внутренней борьбой», неприятием звучащей незнакомой музыки. Подобную картину можно порой наблюдать на концертах современной музыки или при исполнении в рамках академической программы произведения современного автора.

В целом, говоря о музыкальном переживании как особом эмоциональном состоянии слушателя, выделим следующие наиболее важные моменты.

Первое: музыкальное переживание — это многосоставное эмоциональное состояние человека.

Второе: все его составляющие, находясь в тонком ансамбле, проявляют себя как в настоящем времени (слушание музыки во время исполнения либо при посредстве звукового носителя), так и в пост-времени, то есть спустя какое-то время после прослушивания музыки. Многосоставность или многокомпонентность музыкального переживания связана с двумя группами процессов. С одной стороны, это музыкально-психологические процессы (музыкальное восприятие, музыкальная память, музыкальные представления и музыкальное воображение и, наконец, музыкальное мышление). С другой — это естественные физические процессы жизнедеятельности организма: дыхание, сердечная деятельность и вегето-сосудистая система, мимика, моторно-двигательные проявления, а также работа пищеварительной системы. Музыкальное переживание имеет свое, внутреннее, время. Это время в отличие от художественно-звукового времени обратимо и дискретно.

Третье, музыкальное переживание выражает себя на нескольких разных уровнях своего протекания. Один из них — интонационно-смысловой, другой — психологический. И тот, и другой взаимосвязаны и взаимозависимы.

Музыкальное переживание можно считать своего рода гомеостатическим состоянием, которое, подобно звучанию симфонического оркестра, начинается с настройки (установки), переходит к развитию, а затем завершению. Последнее может быть абсолютным либо относительным: пост-звучанием или музыкой после музыки.

Освещенные в данной статье положения о музыкальном переживании слушателя могут считаться, на наш взгляд, достаточно определенными и очевидными. Дальнейшие его исследования помогут еще полнее и всестороннее раскрыть этот объект музыкознания и музыкальной психологии (прежде всего).

Перевод с итальянского Юлии Свенцицкой, СПб

Сальваторе Квазимодо

Сальваторе Квазимодо

О Сальваторе Квазимодо — поэте, писателе, участнике Сопротивления, лауреате Нобелевской премии, написано немало. В качестве переводчика он тоже известен, но этой области его наследия внимания уделяется меньше. Переводы поэзии античной Греции на современный итальянский язык – часть творчества мастера, которая на русский, насколько нам известно, не переводилась. Очень надеемся, что представленные здесь переводы хотя бы немного восполнят этот пробел.

Сальваторе Квазимодо родился 20 августа 1901 года в Модике — маленьком сицилийском городке. Его отец, Гаэтано Квазимодо, был начальником железнодорожной станции, и семье часто приходилось переезжать из одного городка в другой. Будущий поэт мечтал учиться в гимназии, но по желанию родителей поступил в 1916 году в техническое училище в Мессине — семья в то время проживала там. В 1919 г. Квазимодо стал студентом Римского политехнического института, однако в связи с денежными затруднениями семьи ему пришлось оставить учебу, получив лишь диплом топографа.

Серьезные занятия литературой начались в 1920 году. Сальваторе изучает греческий и латынь, но, неуверенный в своих литературных способностях и знании языков, зарабатывает на жизнь, применяя технические знания, полученные в училище и институте. Причиной его неуверенности могла быть повышенная требовательность к себе. “Квазимодо — европеец, воистину обладающий знаниями, чувством меры, всем арсеналом человеческого разума”, — писал Пабло Неруда, хорошо знавший поэта.

В двадцатые годы в жизни Сальваторе Квазимодо происходит много событий. Среди них брак с Биче Донетти и посвящение в масоны в ложе «Арнальдо да Брешиа» в Сицилии. Квазимодо совершает частые поездки по стране в качестве сотрудника министерства гражданского строительства. Занятия журналистикой, которые пришлись поэту по душе, стали невозможны — фашизм вызывал у него безу­словное неприятие. В 1929 г. состоялось знакомство с признанными мэтрами — поэтами Эудженио Монтале и Джузеппе Унгаретти. В течение нескольких последующих лет поэт опубликовал сборники: «Потонувший гобой» («Oboe sommerso», 1932), «Аромат эвкалипта и другие стихотворения» («Odore di eucalyptus e altri versi», 1933), «Эрато и Аполлион» («Erato e Apollion», 1936) и «Стихотворения» («Poesie», 1938).

В 1932 он получает Флорентийскую премию «Антико Фатторе», а в 1934 переезжает в Милан, где у него и Амелии Спечиалетти рождается дочь Ориетта. Выйдя в отставку в 1938 году, Квазимодо работает ассистентом Чезаре Дзаваттини — редактора издательства Мондадори. В 1939 году у Квазимодо и Марии Кумани, актрисы и танцовщицы, рождается сын Алессандро, ставший известным актером.

В 1941 году увидела свет книга «Лирика Греции» («Lirici greci») — переводы древнегреческой поэзии на итальянский язык. Книга принесла Квазимодо известность. В том же году он получает должность профессора итальянской литературы Миланской консерватории, а в 1942 публикует сборник избранных стихотворений «И настал вечер» («Ed e subito sera»). 1945 год был отмечен вступлением Квазимодо в итальянскую компартию, где поэт долго не задержался — от него потребовали сочинения политических стихов.

В 1958 году он стал лауреатом премии Виареджо — одной из самых престижных в Италии. В конце того же года состоялся визит Сальваторе Квазимодо в СССР, затянувшийся из-за внезапной болезни до мая следующего года. Лечился поэт в Москве, в Боткинской больнице.

В 1959 году Квазимодо удостоился Нобелевской премии по литературе. В 1967 году стал почетным доктором Оксфордского университета.

Скончался в июне 1968 года.

 

Биография мастера богата людьми и событиями. Но нас применительно к теме данной публикации интересует переводимая Сальваторе Квазимодо поэзия древних греков, ставших частью его творчества. Кто же были эти древние греки, столь близкие душе знаменитого итальянца?

Поэт переводил стихи Сапфо, дочери аристократа, осиротевшей в шесть лет и отданной в школу гетер. Воспитываясь в этой школе, она писала оды, гимны, застольные песни. Есть легенда, что ею увлекся ее собрат по перу, Алкей, стихи которого также переведены мастером. Из всего большого наследия Сапфо до нас дошло около 170 фрагментов, и лишь одно стихотворение — целиком. Возможно, именно она изобрела плектрон — палочку для извлечения звука струнного инструмента. В честь Сапфо назван астероид, открытый в 1864 году.

Сальваторе Квазимодо был близок по духу и Алкей — представитель аристократического рода, участвовавший в политической борьбе, разумеется на стороне аристократов. Но после победы демократов он оказался в изгнании, в Египте. Позднее ему было разрешено вернуться на родину. Поэтическое наследие Алкея составляют в основном военные и застольные песни, любовная лирика и гимны. Среди своих современников поэт был широко известен. Он изобрел античную строфу, которая так и называется — алкеева строфа.

Внимание Квазимодо привлек и Анакреонт — поэт-царедворец, творивший при царе Поликрате. Его лирика была востребована при жизни и служила источником вдохновения для поэтов последующих эпох. Стихи Анакреонта полны любви и радости.

Итальянского поэта интересовал также Алкман. В Спарте он руководил хорами, сочинял для них мелодии и стихи, придумывал танцевальные движения под песню и был, по-видимому, первым греческим поэтом, писавшим песни для хора.

Упомянуть стоит еще автора руководства по риторике Ликимния; жреца Деметры, воина и скитальца Архилоха; прославленную Плутархом Праксиллу; Ликофронида и загадочного странника Ивика.

Переводы стихов этих авторов, сделанные Сальваторе Квазимодо, стали частью итальянской культуры XX века.

С.Я. Маршак писал о своих переводах: «Переводил я не по заказу, а по любви — так же, как писал собственные лирические стихи».

Переводы Сальваторе Квазимодо из древних греков — по любви. Как и наши переводы Сальваторе Квазимодо.

 

— Юлия Свенцицкая

 

Сальваторе Квазимодо (1901-1968)

 

Из Сафо

 

Полнолуние

 

Звезды вкруг луны — чаровницы,

лик ее высветляют,

когда во всей полноте блещет, белая,

над землею.

 

На прекрасные волосы возлагаешь венки

 

Ты, о Божество, на прекрасные волосы возлагаешь венки.

В руках твоих стебли, благовонным умащенные уксусом.

Потому и Хариты встречают цветами убранных – с радостью,

и тех бегут, кто ничем не увенчан.

 

***

Я говорила с тобою во сне, Афродита.

 

Умирает прекрасный Адонис

 

“Умирает прекрасный Адонис,

что же нам делать, Цирцея?”

“Вам, о юные девы,

бить себя в грудь, раздирая одежды.”

 

Какое сладкое яблоко

 

Какое сладкое яблоко в вышине,

там, на ветке, краснеет высоко-высоко,

его забыли, урожай собирая;

но – нет, не забыли, напрасен

соблазн до него дотянуться.

 

***

Геспер, ты всех возвращаешь,

разбежавшихся кто куда с лучезарной Авророй:

возвращаешь домой овечку,

козочку возвращаешь,

дочку матери не возвращаешь, нет.

 

Детство

 

“Детство, детство, куда ты, на кого меня покидаешь?”

“Не вернусь к тебе больше, ни за что не вернусь.”

 

Из Алкея

 

Десятая муза

 

Увенчанная фиалками, божественная и нежная

услада взора – Сафо.

 

***

Сплетенным в веночки укропом

кто-то обвил мою шею

 

и благоуханное масло

льет мне на грудь

 

Я уже внемлю весне.

 

Я уже внемлю весне —

близится вся в цветах:

налейте мне поскорей  вина сладчайшего чашу.

 

Из Анакреонта

 

Возлюбленная цитра

 

Ужинал я кусочком пшеничной лепешки,

но вина целую амфору с жадностью выпил,

сейчас нежно касаюсь возлюбленной цитры

и пою о любви к тебе, моя добрая девочка.

 

Из Алкмана

 

Песнь куропаток

 

Эти стихи с их квохтаньем

обретены Алкманом, облекшим в слова

то, что силился уловить

в пении куропаток.

 

Из Ивика

 

Звездная ночь

 

Всю ночь напролет горят

нестерпимо яркие звезды.

 

Из Ликимния

 

Ахерон

 

             Обрекая

людей на муки, вновь бурлит Ахерон –

слез и печалей неизбывный источник.

 

***

Сном, дарящим блаженство,

дитя уснуло

со светлым взглядом, не закрывая глаз.

 

Из Архилоха

 

Под сенью мирта

 

Играла под сенью мирта

       и свежей розы;

           и кроны

накинули легкую тень ей на спину и плечи.

 

Из Праксиллы

 

***

Оставляю прекраснейший солнца свет,

лик луны и блестящие звезды,

арбузы спелые, да и яблоки с грушами.

 

Из Ликофронида

 

Артемиде

 

Вручаю тебе эту розу: славное подношение;

а еще – шлем и сандалии, да и копье не забуду,

что вмиг любого зверя сразит: всеми мыслями

к юной деве влекусь,

такой прекрасной, такой любимой Харитами. 

 

 

Перевод с итальянского Ю. Свенцицкой

Редактор перевода Л. Черняков

 

 

Примечания

 

«Антико Фатторе» — флорентийская премия, учрежденная в 1931 году за достижения в области литературы и искусства.

«Этна-Таормина» — эта премия в настоящее время называется премией имени Анны Ахматовой. Это была единственная литературная награда, которой была удостоена сама Анна Ахматова в честь 50-летия творческой деятельности.

Премия Виареджо — одна из старейших и наиболее престижных литературных премий Италии. Учреждена в 1929 году. В настоящее время присуждается по четырем номинациям: литературный дебют, проза, поэзия, очерк.

Почетная степень доктора Оксфордского университета — присуждается без защиты диссертации, на основании заслуг соискателя в области науки или культуры.

Алкман (2-я половина VII века до н. э.),

Сапфо (630/612 — 572/570 годы до н. э.),

Алкей (620/626 — после 580 года до н. э.),

Анакреонт (около 570 — 487 год до н. э.),

Ивик (VI век до н. э.),

Ликимний — последняя четверть V в.

Архилох — около 689/680 года до н. э.— умер около 640 года до н. э.,)

Праксилла — V в. до н. э.

Ликофронид — IV век до н.э.

Геспер – так называли греки вечернюю Венеру

 

 

Материалы для примечаний, биографические данные и фотографии приведены в открытых источниках.

Перевод с итальянского Юлии Свенцицкой, СПб

Джорджо Капрони

Джорджо Капрони

Джорджо Капрони родился в Ливорно 7 января 1912 года. Его отец, Аттилио, сын портного, работал бухгалтером в Торговом доме Коломбо, занимавшегося импортом кофе, и увлекался музыкой.
Мать — Анна Пиччи — была дочерью таможенника Гаэтано Пиччи и Фоска Беттини, работала в одном из Домов моды в Ливорно. Любила танцевать и играть на гитаре.
Годы с 1915 по 1921 были очень трудными для семьи. Позже поэт назвал их годами слез и бедности.
Мальчик самостоятельно научился читать в возрасте четырех лет. В Ливорно он окончил два класса начальной школы.
В конце Первой мировой войны семья переехала в более просторный дом, чем был у них на Виа де Лардерель. Именно тогда начались вторжения фашистов, особенно жестокие в Ливорно, и мальчик, которому еще не исполнилось и десяти лет, видел, как на улицах убивают людей.
Он с тоской вспоминал о прогулках с отцом и братом в Арки*. А если дело было летом, то ехали куда-нибудь недалеко на поезде. О Ливорно Капрони писал, что этот город “будет существовать до тех пор, пока существую я”. Для поэта он был наполнен вкусом мороженого, запахом рыбы на Центральном рынке, в нем присутствовало ощущение зимнего металла. Кто из детей не пытался хоть раз лизнуть в мороз железную решетку?
После рождения дочери Марчеллы семья переехала в Геную.
В Генуе Капрони сменили несколько адресов. Они жили на улице Сан Мартино, затем переехали на улицу Микеле Наваро. Позже — на площадь Леопарди и улицу Бернардо Строцци. Поэт писал, что именно в Генуе вышел из детского возраста, учился, страдал, любил. И каждый камень здесь связан с его личной историей. Все это и определило любовь Капрони к Генуе, которая, по словам поэта, абсолютно независима от достоинств этого города как такового.
Среди наиболее любопытных своих увлечений в тот период Капрони вспоминал страсть к выращиванию маленьких рептилий и амфибий — тритонов, саламандр, ящериц. В те же годы он получал музыкальное образование по классам скрипки и композиции. За успехи в сольфеджио удостоился золотой медали и в 1925 году получил диплом о музыкальном образовании. Во время учебы начал писать свои первые стихи.
С сентября 1933 по август 1934 года Капрони проходил военную службу. В 1939 году, после непродолжительного периода жизни в Павии, поэт переехал в Рим, где и прожил всю жизнь. Однако, шесть месяцев в году проводил в Локо ди Ровеньо**, где и познакомился с Риной Реттальята, с которой вступил в брак в 1937 году.
В 1948 году он принял участие во Всемирном Конгрессе “Интеллигенция за мир”, который проводился во Вроцлаве.

В стихах Капрони воспевал Геную, часто обращался в творчестве и к теме матери. Для его поэтического слога характерны изысканность и четкость, но вместе с тем он часто “ломает” ритм, использует “раздробленный” синтаксис. Вместе с тем мастер считал, что язык и речь — инструменты недостаточные, обманчивые. Они не могут передать всего многообразия реальности. Исследователь творчества Капрони Анжела Сичилиани отмечает, что в его стихах нельзя не заметить музыки. От каждой страницы исходит энергия звука и молчания, и эта поэзия углубляется своими корнями именно в музыку. Интересной была и манера его авторского исполнения. В ней слышалась неповторимая внутренняя музыка. Возможно, голос Капрони знаком телезрителям XX века меньше, чем голоса его современников. Манере его авторского исполнения не была свойственна театральность. Музыкальность, по мнению исследователей, присуща и его прозаическим произведениям. По мнению Анжелы Сичилиани, он вкладывал “неуловимую музыку в свою поэтическую мысль”.
Капрони переводил с французского и реже — с других языков. Известен его перевод на итальянский язык романа Луи-Фердинанда де Селина “Смерть в кредит.” Среди переведенных им авторов Мопассан, Пруст, Бодлер, Флобер.
Некоторые из его переводов вышли отдельным сборником в 1998 году под руководством Энрико Тесты — историка языка и поэта.
Капрони умер в январе 1990 года. Похоронен вместе со своей женой Риной на кладбище в Локов Ровеньо.

В начале XXI века в провинции Генуя был создан парк культуры “Джорджо Капрони”, находящийся в Монтебруно — местечке, которое поэт воспел в одном из своих первых сборников.
Композитор Лука Бриньоле написал произведение для фортепьяно и сопрано к 100-летию со дня рождения поэта в 2012 году. Оно было исполнено в генуэзской Консерватории им. Никколо Паганини во время вечера, посвященного памяти Капрони
Друг П.-П. Пазолини, Капрони принял участие в 1975 году в его последнем фильме “Сало или 120 дней Содома”, дублируя актера Джорджо Катальди в роли жестокого, капризного и безразличного Монсиньора.
В 2006 году появился короткометражный фильм, посвященный Джорджо Капрони. Сценаристом, режиссером и актером выступил Фабрицио Ло Прести. Фильм был представлен на конкурс, объявленный в провинции Генуя в том же году, получил почетный диплом и одобрительные отзывы друзей и родственников поэта. Несколько месяцев спустя фильм вышел в полнометражном формате. Дети Джорджо Капрони — Сильвана и Аттилио Мауро, сыграли там самих себя.

Профессор Франческо Де Никола, лично знавший Капрони, поделился с нами некоторыми материалами и размышлениями. Так, он пишет, что в стихотворении “Лифт”, сочиненном поэтом в 1948 году, иронически представляя собственные похороны, Капрони предугадал, что это не будет какая-то ритуальная формальность — ведь мало хорошего в официозе, полагающемся в таких грустных случаях. Но он и представить себе не мог, что 23 января 1990 года на его реальных похоронах, несмотря на его известность и признанность, окажется всего пятнадцать человек: несколько литераторов, мэр Рима, родственники, друзья, бывшие ученики, но ни одного министра или заместителя, никого из членов парламента и представителей интеллигенции.
Если бы можно было собрать в одном томе всю переписку Капрони, это явилось бы огромным вкладом в историю итальянской литературы XX века, считает профессор Де Никола, — и мы узнали бы о многих писателях и персонажах мира искусства, журналистах, с кем Капрони поддерживал отношения.
В настоящее время проводится большая работа по восстановлению текстов Капрони, в том числе и устных — записей его выступлений на радио.
Творчество Капрони широко известно за пределами Италии. Его стихи переводились в Германии, Канаде, Испании, Франции, Чили, США, Португалии и Румынии.
Его имя носят две школы, где он когда-то преподавал, а в 2009 году в самом сердце Ливорно его именем была названа площадь. В Генуе поэту посвящена небольшая площадь, куда прибывает фуникулер. Ведь Генуя — стремящаяся в небо вертикаль. Дома и улицы соединены не только лестницами, но и современными фуникулерами и лифтами, включенными в систему городского транспорта. Один из самых красивых и известных лифтов Генуи — на площади Портелло. Среди генуэзцев он также известен как «Лифт до Рая». Название было получено благодаря итальянскому поэту Джорджио Капрони. Профессор предлагает поместить в коридоре, где движется лифт, несколько строчек из одноименного стихотворения.
В курсе современной итальянской литературы, который профессор Ф. Де Никола читает в Университете Генуи, в начале 2019-2020 учебного года на первой лекции он спросил, кто читал произведения Капрони в школе. Из 100 студентов лишь четверо ответили утвердительно. Но когда через несколько месяцев его стихи читались в аудитории, большинство первокурсников было просто очаровано, что, впрочем, бывает нередко, так как поэзии XX века, по мнению профессора, в школах не уделяется должного внимания. Очень бы хотелось, чтобы Капрони стал еще известнее, и профессор выражал желание назначить встречу, посвященную мастеру, лет через десять и увидеть, насколько выросло внимание и восхищение творчеством поэта.

 

— Юлия Свенцицкая

 

Примечания

Арки — город в Италии, расположен в регионе Абруццо, подчиняется административному центру Кьети.
Ровеньо — коммуна в Италии, располагается в регионе Лигурия, в провинции Генуя.
Монтебруно — коммуна в Италии, располагается в регионе Лигурия, в провинции Генуя.

 

Джорджо Капрони (1912 –1990)

 

… человек, что ночью, один —

в “ледяном декабре”,

отворяет ворота и вновь —

один — уходит в свои мечты.

 

Коварный

 

Можешь — и вовсе — без него обойтись.

 

Стоик

 

                  (в отголосках)

Ты один со своим сознанием.

 

О познании или пословица эгоиста.

 

Умер я —

Умер и Бог.

 

Аксиома

 

Кто приезжает в Париж, приезжает домой.

 

Пазолини

 

Сколько небесного, сколько

белого и лазурно-зеленого

я узрел в твоем имени,

едином и триедином.

 

Рине

 

Дерево без тебя

не осталось бы деревом.

Ничто без тебя

не осталось бы тем, что есть.

Другие стихи к Рине

 

В твоих глазах сентябрь, полный олив,

милой тебе Лигурии,

милой тебе земли

утесов и сладких

фруктов.

 

Указание

 

— Прекратите терзаться!

Хотите со мною встретиться,

там ищите, где меня не бывает.

 

Благочестивая мысль

 

А может, безмерность Бога

в его небытии?

 

+++

Когда меня больше не будет нигде

и никогда — где и когда

я буду?

 

+++

Такие улицы есть в белом городе Бари…

И я не знал, на корабле отплывая, —

вся земля от меня ушла.

 

Перевод с итальянского Ю. Свенцицкой

Редактор перевода Л. Черняков

София Сарьян, Армения              Главный хранитель фондов дома-музея М. Сарьяна

 

Русский поэт Осип Мандельштам и армянский художник Мартирос Сарьян встретились в 1930 году, в Армении. Но можно предположить, что они могли знать друг о друге уже давно. В начале 1910-х годов на страницах петербургского литературно-художественного журнала «Аполлон», в котором не раз печатались статьи, переводы и стихотворения О. Мандельштама, часто упоминалось имя М. Сарьяна как одного из активных участников художественных выставок «Мира искусства». А в 1913 году в журнале была опубликована первая монография о раннем творчестве Сарьяна, написанная Максимилианом Волошиным, с которым Мандельштам часто и близко общался.

Мандельштама и Сарьяна формировала единая художественная среда, эпоха новаторских исканий в русском искусстве, когда, скованное канонами академизма, оно искало новых путей, новых средств, способных выразить новое миросозерцание. Огромные перемены в общественной жизни и материально-техническом опыте человечества вели за собой изменение художественно-философских концепций. На смену предметному, конечно-результативному художественному мышлению шла новая эстетика, согласно которой мир представал незавершенным, длящимся процессом становления, формирования, объединяющим цепи событий, связанных друг с другом многопланово и широкоохватно. Это побуждало художника вглядываться в подвижный, на глазах меняющийся мир, сопоставлять конкретный факт и мечтательное видение, повседневный мотив и лирическое переживание. Такая образная система резко увеличивала значение ассоциативного мышления, часто приводила ко взаимопроникновению разных видов искусства: поэзии и музыки, живописи и поэзии, музыки и живописи.

Повышение значения субъективного восприятия действительности приводило к появлению мночисленных «изм»-ов и течений, которыми так обильно расцвело XX столетие. Кто-то был символистом, кто-то акмеистом, но главным было не утратить искренность, прочувствовать глубоко, с помощью формально-стилевых средств воплотить в творчестве свое непосредственное видение мира, не утратить нравственный смысл и жизненное наполнение художественного образа. Как писал Мандельштам:

 

И если подлинно поется

И полной грудью, наконец,

Все исчезает — остается

Пространство, звезды и певец1.

 

«Современные течения вообразили, что искусство… может быть разложено на средства изобразительности, тогда как оно складывается из органов восприятия», — писал Б. Пастернак. И самым важным из этих органов для певца нового времени оказывался глаз. «Глаз — есть орудие мышления», — писал Мандельштам. «Художник должен не просто смотреть на природу, на мир, он должен уметь видеть», — говорил Сарьян. Есть у него небольшая картина 1907 года под названием «Комета», где в центре композиции стоит фантастическое существо с одним глазом. Оно вглядывается, прислушивается и внемлет внезапно отраженному в озере следу кометы. «Это свидетель вселенских явлений, которому ведомы космические тайны. Это поэт. Это я», — пояснял художник. Откинув все привычное обычному взгляду, уйдя на лоно природы, живущей своей тайной жизнью, желая постичь окружающий мир и свою причастность к нему, художник оказался в той стихии мышления древнего человека, когда, по определению Мандельштама, «видеть, слышать и понимать — все эти значения сливались… в одном семантическом пучке»2. Несмотря на глубокий смысл, в картине все просто и ясно, как в детском рисунке, ибо «всевидящее око» конструирует мир из самых простых элементов: глинобитный домик, озеро, дерево, стоящие фигуры человека и газели. И вновь вспоминаются строки Мандяельштама:

 

Только детские книги читать,

Только детские думы лелеять,

Все большое далеко развеять,

Из глубокой печали восстать.3

 

В детском взгляде на мир есть великая непосредственность, есть место фантастике, сказке, есть возможность прорваться к самой сути явлений, сопоставить ранее несопоставимое, без учета установленных взрослыми правил. В этом ключе написан ранний цикл Сарьяна «Сказки и сны» (1904-1907), который, кстати, так запомнился Мандельштамам при встрече в Армении: «Были мы потом у Сарьяна в мастерской. Кажется, он показывал тогда свой «голубой период» — с тех пор прошло почти сорок лет, но такие вещи обычно запоминаются».4

Комета. 1907 Картон, темпера. 34 х 48 см Собрание семьи Сарьян, Ереван

Комета. 1907. Картон, темпера. 34 х 48 см. Собрание семьи Сарьян, Ереван.

Мандельштам, который обладал, по выражению своей супруги Надежды Яковлевны, «историософским сознанием», сумел постичь характер, нрав, историю и судьбу армянского народа так глубоко и проникновенно, как это удалось Сарьяну, пытавшемуся познать и связать со своим временем утерянную в перипетиях истории национальную характеристику и своеобразие родного народа. Стихотворный цикл книги Мандельштама Армения предваряют строки:

 

Как бык шестикрылый и грозный,

Здесь людям является труд…

 

Буйвол. 1921. Холст на картоне, масло. 26 x 36 см. Собрание семьи Сарьян, Ереван.

Буйвол. 1921. Холст на картоне, масло. 26 x 36 см. Собрание семьи Сарьян, Ереван.

Горы. 1923. Холст, масло. 68 х 68 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Горы. 1923. Холст, масло. 68 х 68 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Бык предстает не только библейским существом, которое, как заметил Г.И. Кубатьян, можно видеть на древних барельефах Сюника5, но и выступает как символ труда народа-земледельца, знакомого со всеми трудностями обработки земли. Сам будучи сыном земледельца, Сарьян писал: «Крестьянин концентрирует в себе опыт тысячелетий, многовековую мудрость. Обработка земли — великая наука, великое искусство. Поэтому необходимо глубоко постичь историческое значение этой великой науки, увидеть ее во всей многогранности: в совокупности пройденного данным народом пути, его исторической судьбы, географической среды его обитания и созданной им культуры»6. Тем самым образ быка или вола, связанный с земледельческим трудом, не случайно был дорог художнику и не раз появлялся в его картинах («К роднику» (1909),»Буйвол» (1922),»Горы. Армения» (1923),»Арагац» (1925)). В своей трактовке этого образа Сарьян сумел соединить как, по определению Г. Кубатьяна, одухотворенного быка, хоть и без крыльев, так и вола, занятого тяжкой повседневной работой. Когда просматриваешь эти работы, вспоминается и продолжение упомянутого четверостишия Мандельштама:

 

И, кровью набухнув венозной…

 

Этот тяжкий труд армянский народ пронес через тысячелетия, передавая навыки и умения из поколения в поколение, и дошел до наших времен. Последняя строка:

 

Предзимние розы цветут, —

 

содержит апелляцию к понятиям времени и красоты. Если еще вспомнить, что, по Мандельштаму, армянский народ живет по солнечным часам, какие он видел на развалинах Звартноца «в образе астрономического колеса или розы, вписанной в камень», то розу можно понять как символ искусства, т.е. непреходящей красоты. А эпитет «предзимние» может означать, что народ в течение своей долгой истории, истории могущества и потерь, истории расцвета и падения, в достаточной мере утратил свою былую силу, однако это не мешает цветению, т.е. созданию памятников культуры, хранящих вечную красоту. И наконец, синтезом этих размышлений становятся строки первого восьмистишия:

 

…Плечьми осмигранными дышишь

Мужицких бычачьих церквей.

 

Эти строки буквально иллюстрирует работа Сарьяна «Церковь Кармравор VII века. Аштарак» (1956).

Интересно, что именно аштаракская церковь Кармравор вызвала такой восторг у поэта: «Но там же купол, купол. Настоящий! Как в Риме у Петра… Кому же пришла идея заключить пространство в этот жалкий погребец…». Погреб тоже связан с мужиком и быком. Недаром в картине Сарьяна соотнесены глинобитная лачуга и церковь. А выраженную здесь идею о народном, местном происхождении армянских церквей Сарьян пронес через долгие, трудные годы: запрет вероисповедания, атеизм… Тема церквей была запретной, и в период посещения Мандельштамом церкви Кармравор двери ее были заколочены: «Дверь — тише воды, ниже травы». Сарьян же смог обратиться к этой теме намного позже, в период хрущевской оттепели, в 1956 году, когда это было уже возможно. Недаром смысловым центром композиции картины является открытая дверь и входящая в нее женщина в белом платке.

Церковь Кармравор VII века. Аштарак. 1956. Холст, масло.  54 x 82 см. Собрание семьи Сарьян, Ереван.

Церковь Кармравор VII века. Аштарак. 1956. Холст, масло. 54 x 82 см. Собрание семьи Сарьян, Ереван.

Тем самым эпитет «мужицких, бычачьих», как отмечал Ст. Рассадин, «не просто наитие… За ней — история…»7. Однако не «бог весть как ухваченная пришельцем»8, а имеющая под собой определенное основание и знание. Еще в 1906 году в статье «Воспоминания об искусстве» М. Сарьян писал: «…Армения не была столь богатой страной, чтобы могла приглашать мастеров из других стран для строительства храмов, и я думаю, что армянский народ сам строил свои храмы рукой своих мастеровых и зодчих, обладающих тонким вкусом»9. Если вспомнить, что, как замечает П. Нерлер10, круг общения Мандельштамов в Армении не был широким из-за языкового барьера и Надежда Яковлевна жаловалась, что людей они знали мало, то можно предположить, что кроме Александра Таманяна и молодых архитекторов, увлеченных лекциями и исследованиями Тороса Тораманяна, Мандельштаму мог поведать о методе строительства армянских церквей еще и Сарьян, с которым они, возможно, ездили в Эчмиадзин и Звартноц.

Позволим себе высказать предположиение, что об этом свидетельствует сохранившийся черновик письма художника к [Надежде] Яковлевне. В семье Сарьяна помнили о переписке Мастера с Мандельштамом, но в силу постигшей поэта участи было запрещено поддерживать какую-либо связь с ним, и письма не сохранились. Однако это единственное, по ошибке (или, возможно, умышленно) адресовано Марии Яковлевне. Подобного адресата среди друзей и знакомых художника установить не удалось. С первых же строк становится ясно, что это теплое письмо — звено переписки. Хоть написано оно в 1936 году, в нем вспоминаются минувшие события. Можно определенно проследить названия мест и факты, упоминавшиеся в армянских стихах и прозе Мандельштама. Так, Сарьян пишет: «Глубокоуважаемая Мария Яковлевна! Большое Вам спасибо за внимание, получил Ваше письмо и в первую очередь вспомнил нашу поездку в Эчмиадзин и Звартноц к одному из замечательных памятников седьмого века, затерявшегося в виноградниках. Как было приятно после осмотра памятника наброситься на виноград и студеную воду из колодца, так было просто и хорошо»11.

У Мандельштама читаем:

 

А в Эривани и в Эчмиадзине

Весь воздух выпила огромная гора…

 

И уже упоминавшийся эпизод из прозы: «…я находился в среде народа, …живущего …по солнечным часам, какие я видел на развалинах Звартноца…».

А «эрзерумская кисть винограду», в противовес «в груди роковому колотью», как некоторая живительная услада, становится символом поэтического вдохновения. Упоминая свой «разряд» — судьбу ссыльного поэта, Мандельштам мысленно обращается к А.С. Пушкину («Чудный чиновник без подорожной…»), вспоминает обстоятельства его путешествия в горы Кавказа. Так возникает ассоциация с «Путешествием в Арзрум». Более того, как отмечает Н.А. Гончар-Ханджян, помимо армянских стихов, образ винограда встречается также в стихотворении Мандельштама «Батюшков», написанном уже после возвращения из Армении:

 

Только стихов виноградное мясо

Мне освежило случайно язык12.

 

Здесь вполне можно согласиться с Г.И. Кубатьяном в том, что «замороженный виноград», как аналог остановленного времени, имеет автобиграфическую основу и является синонимом временной потери стихотворной речи и долгого молчания поэта13. А Надежда Яковлевна прямо упоминает: «После долгого молчания стихи вернулись к нему в Армении и уже больше не покидали…».14

По-видимому, «эрзерумская кисть винограду» повлияла также и на творчество Сарьяна: в своем письме художник пишет о намерении приступить к созданию картины «Встреча А.С. Пушкина с телом А.С. Грибоедова в горах Армении в 1828 г.»: «На днях думаю поехать в места, где проезжал Пушкин, и сделать несколько этюдов для картины [на тему] «Путешествие в Арзрум» и встреча его с телом Грибоедова»15. Отметим, что Сарьян почти не обращался в своем творчестве к историческим фактам, событиям, сюжетам. И быть может рождение этой картины связано с общением художника с Мандельштамом… Эту работу Сарьян выставил в 1937 году в Художественном музее Еревана на выставке «Пушкин в изобразительном искусстве», посвященной 100-летию со дня смерти поэта.

Далее в письме Сарьяна упоминается курорт Арзни. «Надо сказать, что в Арзни я не смог отдохнуть и принужден был из-за зубной боли вернуться в город…»16. У Мандельштама читаем:

 

Захочешь пить —

Там есть вода такая

Из курдского источника Арзни

 

В своем письме Сарьян упоминает также вопрос о «денежной путанице», а Мандельштамы, как известно, жили бедно, нуждались, особенно после ареста поэта в 1934 году.

 

В наблюдении и постижении Армении глаз Мандельштама — «хрусталик кравчей птицы», оказался удивительно близок глазу Сарьяна. «Смотреть глазами и видеть сердцем», — говорил художник. Вспомним также, что побывавший в Армении годом раньше — в 1929 году, Андрей Белый писал: «Я видел Армению — два уже дня и увидел впервые в полотнах Сарьяна; их вынес позднее на улицу, в поле, чтобы там развивать мне преподанное мастерство: уметь видеть»17.

Вслед за Г. Кубатьяном18 и Л. Мкртчяном19 отметим, что слово Мандельштама удивительно живописно, изобразительно, красочно.

 

Окрашена охрою хриплой…

 

Отчего охрипла охра? Скорей всего от сильного солнца. При всей «скудости природы», где глинистая земля обожжена солнцем, много камней и мало воды, а значит и зелени, армянская природа наделена «самыми главными», «с полдюжины», т.е. основными чистыми несмешанными красками, которые при сильном освещении приобретают яркость, пестроту столь сильную, что оглушают и слепят, приводят весь пейзаж Армении к двум цветам:

 

Ах, ничего я не вижу, и бедное ухо оглохло,

Всех-то цветов мне осталось лишь сурик да хриплая охра…

 

И в другом стихотворении:

 

Лазурь да глина, глина да лазурь…

 

Природа Армении окончательно подвела Мандельштама к выздоровлению «от безвредной чумы наивного реализма», сетчатка насытилась светотенью, хрусталик глаза нашел «достойную аккомодацию» с ранее знакомыми картинами французов, соединив их с «солнечной и сгущенной действительнстью». Возможно, именно с этим и связано неожиданное возникновение главы «Французы» в «Путешествии в Армению». И чтобы лучше понять мысль Мандельштама, обратимся к следующим словам Сарьяна: «Импрессионисты исходили из очень простой вещи — солнечный свет и освещение предмета… Солнечный свет для них был средством выражения человеческого восторга и упоения, человеческой красоты. Это открытие явилось великим шагом в развитии мирового искусства. С ним связано появление в живописи «свободного» света, многообразного, яркого, открытого, светообильного цвета»20.

Восприятие и описание ландшафтов Армении Мандельштамом определенно напоминает такие картины Сарьяна, как «Полдневная тишь» (1924), «Газели» (1926).

Газели. 1926. Холст, масло. 46 х 61 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Газели. 1926. Холст, масло. 46 х 61 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Полуденная тишина. 1924. Холст, темпера. 117 x 114 см. Национальная галерея Армении, Ереван.

Полуденная тишина. 1924. Холст, темпера. 117 x 114 см. Национальная галерея Армении, Ереван.

Не соглашаясь с предположением Гаяне Ахвердян, что в образе «рисующего льва» поэт мог иметь ввиду Сарьяна21, согласимся скорее с Г.И. Кубатьяном в том, что лев, так же как синица и зверушки-дети, связан с барельефами и миниатюрами средневековой Армении, сочетавшими в себе чистоту красок и простоту детского рисунка. Вспомним строки Мандельштама:

 

Ты розу Гафиза колышешь,

И няньчишь зверушек детей…

 

Или же другие:

 

Ах, Эривань, Эривань, иль птица тебя рисовала,

Или раскрашивал лев, как дитя, из цветного пенала…

 

Здесь уместно вспомнить, что в стиле средневековых армянских книг был создан Сарьяном форзац антологии «Поэзия Армении» — книги, ставшей первым знакомством русской публики в начале XX века с многовековой культурой и поэзией Армении. Книга вышла в свет в 1916 году с пространным введением и редакцией Валерия Брюсова, в переводах таких русских поэтов, как Вячеслав Иванов, Константин Бальмонт, Александр Блок и др. Тем самым можно предположить, что Мандельштам был знаком с искусством Армении через этот сборник, и в первых трех стихотворениях его цикла обыгрывается древнеармянский художественный стиль, который перекликается с персидским искусством — «розой Гафиза».

Цветы Армении. 1916. Картон, темпера, 70 х 65,5 см. Киевский национальный музей русского искусства.

Цветы Армении. 1916. Картон, темпера, 70 х 65,5 см. Киевский национальный музей русского искусства.

Цветы Калаки. 1914. Холст, темпера. 88 x 79 см. Национальная галерея Армении, Ереван.

Цветы Калаки. 1914. Холст, темпера. 88 x 79 см. Национальная галерея Армении, Ереван.

Маки. 1958. Холст на картоне, масло. 24 х 35 см. Частное собрание, Москва.

Маки. 1958. Холст на картоне, масло. 24 х 35 см. Частное собрание, Москва.

Факты общения Мандельштама с Сарьяном скудны. Только из воспоминаний Надежды Яковлевны узнаем, что художник приходил к ним в первый день в гостиницу с целью помочь получить номер, а потом они были у него в мастерской. Однако ряд ассоциаций с творчеством Сарьяна, возникающих при чтении армянской поэзии и прозы Мандельштама, восполняет факты и возводит эту тему на качественно новый уровень, создавая параллели художественного мышления художника и поэта. Так, к примеру, трудно найти более соответствующий словестный эквивалент натюрмортам с цветами Сарьяна, чем следующая характеристика Мандельштама: «А на столе роскошный синтаксис путаных, разноазбучных, грамматически неправильных полевых цветов, как будто все дошкольные формы растительного бытия сливаются в полногласном хрестоматийном стихотворении». («Полевые цветы» (1910),»Цветы Армении» (1916), «Цветы Азии» (1915), «Цветы. Натюрморт» (1916), «Восточные цветы» (1916)). Или: «Ситцевая роскошь полевых цветов смотрела из умывальных кувшинов. Сердце радовалось их демократичной азбучной прелести». («Цветы» (1912), «Голубые цветы» (1914), «Цветы Калаки» (1914)). А как запомнились поэту маки армянских степей! «…Гуляя в высокой поясной траве, я восхищался безбожным горением маков. Яркие до хирургической боли, какие-то лжекатильонные знаки, большие, слишком большие для нашей планеты, несгораемые полоротые мотыльки…». («Мак»(1940), «Маки» (1958)). А пейзажам Сарьяна с Араратом соответствуют строки:

А в Эривани и в Эчмиадзине

Весь воздух выпила огромная гора…

Долина Арарата. 1945. Холст, масло. 96 х 128 см. Государственный музей искусства народов Востока, Москва.

Долина Арарата. 1945. Холст, масло. 96 х 128 см. Государственный музей искусства народов Востока, Москва.

Опять-таки при сильном освещении глаз видит горизонт укрупненным, выдвинутым вперед, как пишет Мандельштам: «Горизонт упразднен. Нет перспективы». И, наконец, картина Сарьяна «Долина Арарата» (1945) по своей колористической и композиционной структуре, по эмоциональному складу и образной характеристике перекликается с самым кульминационным стихотворением армянского цикла Мандельштама:

Закутав рот, как влажную розу,

Держа в руках осьмигранные соты,

Все утро дней на окраине мира

Ты простояла, глотая слезы.

 

И отвернулась со стыдом и скорбью

От городов бородатых Востока

И вот лежишь на москательном ложе,

И с тебя снимают посмертную маску.

Листок из альбома Сарьяна. 1930 год.

Листок из альбома Сарьяна. 1930 год.

Это стихотворение было среди тех, что записаны в специальном альбоме Сарьяна, о котором упоминала журналист Александра Пистунова: «Я увидала записи тридцатых годов — стихи Тихонова, Мандельштама, Исаакяна…»22. Эти записи хранились у художника, как память о приезде опального поэта в Армению. Как пишет Левон Мкртчян, уже в пятидесятые годы по следам Мандельштама шел писатель и публицист Илья Эренбург. «Его здесь почти никто не знает, — сказал Эренбург. — Только Мартирос Сарьян и сын Сарьяна Сарик помнят его стихи»23. В этом же альбоме Сарьяна есть набросок мужчины в кепке с кистью винограда в руке. Рядом женщина, закутавшая рот. На заднем фоне — машина, которая была предоставлена Сарьяну как председателю по охране памятников древности.

Рисунок в том же альбоме (возможно О. Мандельштам)

Рисунок в том же альбоме (возможно О. Мандельштам)

Картину «Долина Арарата» Сарьян написал в 1945, по окончании Отечественной войны. После очередной мировой катастрофы, потрясения, человеческих потерь и слез художник, возможно, снова мысленно обратился к несравненным по глубине и трагизму стихам  Мандельштама о неминуемой и предопределенной судьбе миролюбивого, творчески активного, духовно богатого, но многострадального армянского народа.

 

1 Здесь н далее цитируется по изд.  — Осип Мандельштам. Стихотворения, проза, записные книжки.  – Ереван, «Хорурдаин грох», 1989, стр.177

2 Там же, стр.36

3 Там же, стр.143

4 Там же, стр. 78

5 Георгий Кубатьян. Ворованый воздух. Статьи и заметки. – Изд. РАУ, Ереван, 2005, стр.9

6 М.С. Сарьян. Из моей жизни. – Москва. Изобразительное искусство, 1985, стр.80

7 Ст. Рассадин. После потопа или очень простой Мандельштам.// Осип Мандельштам. Стихотворения. Проза. Записные книжки.  — Ереван, «Хорурдаин грох», 1989, стр. 118

8 Там же.

9 М.С. Сарьян. Воспоминания об искусстве. //Нор кянк,  — Новая Нахичевань,  8 октября, 1906, № 15

10 П. Нерлер. «Путешествие в Армению» и путешествие в Армению Осипа Мандельштама: попытка реконструкции. //Знамя, 11/2015, ноябрь, стр. 129

11 Мартирос Сарьян. Письма. Том второй. 1929-1953. Составитель и автор комментариев Р. Сарьян, — Ереван, «Тигран мец», 2012, стр. 135-136.

12 Осип Мандельштам. Стихотворения, проза, записные кижки.  – Ереван, «Хорурдаин грох», 1989, стр.125

13 Георгий Кубатьян. Ворованый воздух. Статьи и заметки. – Изд. РАУ, Ереван, 2005, стр.27-28

14 Осип Мандельштам. Стихотворения, проза, записные кижки.  – Ереван, «Хорурдаин грох», 1989, стр.78

15 Там же, стр. 136

16 Мартирос Сарьян. Письма. Том второй. 1929-1953. Составитель и автор комментариев Р. Сарьян, — Ереван, «Тигран мец», 2012, стр. 135-136.

17 Андрей Белый. Армения. — Ереван, «Хорурдаин грох», 1985, стр. 31

18 Георгий Кубатьян. Ворованый воздух. Статьи и заметки. – Изд. РАУ, Ереван, 2005, стр. 21

19 Левон Мкртчян. Слепой, но не настолько. – Ереван, 1998, стр. 220-221

20 Сарьян об искусстве.  – Ереван, «Советакан грох», 1980, стр. 90

21 П. Нерлер. «Путешествие в Армению» и путешествие в Армению Осипа Мандельштама: попытка реконструкции. //Знамя, 11/2015, ноябрь, стр. 137, комментарий 61

22 Александра Пистунова. Книга книг.  —  Москва, «Советская Россия», 1983

23 Левон Мкртчян. Слепой, но не настолько. – Ереван, 1998, стр. 220

Перевод с сирийского Антона Киселёва

Илл.: Антонио Темпеста. Египтяне гибнут в Чермном море

Илл.: Антонио Темпеста. Египтяне гибнут в Чермном море

Говорят, что один богатый вельможа очень любил живопись и однажды захотел от одного известного художника, чтобы тот нарисовал ему красивую картину, представляющую изображение фараона и его шайки, и колесниц в Красном море, когда они преследовали сынов Израиля во времена пророка Моисея. И начал этот богач договариваться с художником о стоимости картины и надоедал ему, пока не устыдился; и тот был вынужден согласиться на цену, не соответствующую стоимости полотна. Заплатил богач и ушёл. А через пять дней художник сообщил богачу: “Я картину закончил”. Явился богач с радостью, и когда он снял покрывало с лежавшей перевёрнутой картины, то не увидел ничего, кроме выкрашенной в красный цвет доски. Он страшно разгневался и сердито сказал художнику:

— Да что же это такое? Я-то хотел от тебя изображение Красного моря.

— Вот перед тобой море, красное, как кровь.

— А где же фараон, его войска и колесницы?

— Все они утонули в глубине морской.

— А где пророк Моисей и израильтяне?

— Перешли море и спокойно вошли в Синайскую пустыню.

Тогда посмотрел богач на художника, засмеялся и, вынув, дал ему двадцать золотых монет, сказав:

— Возьми эти монеты и извлеки фараона и его войско из моря, пока они в нём не исчезли, и возврати Моисея и его народ из пустыни, пока они туда не отправились.

Тут же художник перевернул картину, и стало видно море, поднявшееся и бурное, и фараон, и всё его войско, попавшее в западню, и Моисей, и израильтяне, идущие по морю, как по суше.

Богач же поразился мастерству художника, удвоив ему плату.